Serie Teoría y práctica

Número 44

«EL ACTOR BORBÓNICO (1700-1831)», de Joaquín Álvarez Barrientos

Madrid, 2018. 512 págs.
ISBN:978-84-17189-21-1

Precio: 23€ Comprar

El actor borbónicose acerca, en un contexto europeo, a problemas y procesos que en el periodo denominado “largo siglo XVIII” constituyeron las bases del modo de entender la actividad y la función del intérprete moderno. El libro estudia los aspectos profesionales en sus vertientes económica, técnica (ensayos, escuelas, tratados), de reivindicación y representación social de la actividad mediante fórmulas novedosas como los retratos y las primeras necrológicas en una sociedad que ya era del espectáculo. Al mismo tiempo, centra las disputas sobre los modelos interpretativos y sobre su creciente nacionalización, así como la creación de un público silencioso y respetuoso que supiera apreciar las novedades interpretativas, ligadas a una puesta en escena y a una declamación sentimental en consonancia con los gustos literarios que exaltaban la individualidad del yo.

Joaquín Álvarez Barrientos, investigador del CSIC, es Presidente de la Sociedad Española de Estudios del Siglo XVIII, Académico Correspondiente de la Accademia Peloritana dei Pericolanti (Messina, Italia), “Premio Leandro Fernández de Moratín” de la Asociación de Directores de Escena de España (2009) y Premio de Investigación de la Real Sociedad de Menéndez Pelayo (2015). Sus investigaciones se centran en la historia cultural de la Modernidad: hombres de letras y República Literaria, intelectuales y políticos, instituciones culturales, actores y teatro, literatura popular, historia urbana. Sus últimos libros son El crimen de la escritura. Una historia de las falsificaciones literarias españolas (2014), Cultura y ciudad. Madrid, del incendio a la maqueta (1701- 1833) (2017) y Marcelino Menéndez Pelayo, Literatura y nación. Preliminares de historia literaria (2019).

Número 43

«ADOLFO MARSILLACH: ESCENIFICAR A LOS CLÁSICOS (1986-1994)», de Mariano de Paco Serrano

Madrid, 2018. 448 págs.
ISBN:978-84-17189-15-0

Precio: 23€ Comprar

Adolfo Marsillach (1928-2002) creó y mantuvo al frente de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, de manera firme y apasionada, durante una década, un claro criterio estilístico con respecto al tratamiento de los clásicos en el escenario. Consolidó una forma nueva de entender la puesta en escena del teatro del Siglo de Oro español y aseguró las bases de una Compañía que lo acercó al público contemporáneo, convirtiéndolo en el elemento fundamental para refrendar una decidida y perseverante personalidad profesional.

La consecución de una compañía estable y de repertorio, la entrega constante a la formación de los actores y la utilización de personalidades de reconocido prestigio intelectual y literario para la realización de las versiones y adaptaciones de los textos, conforman el sello personalísimo y el estilo de Adolfo Marsillach como director de clásicos y de la Compañía Nacional encargada de recuperarlos, conservarlos, revisarlos y difundirlos para el espectador actual.

Mariano de Paco Serrano, Director de escena y Doctor en Literatura Española, recorre y analiza pormenorizadamente en este libro el trabajo de Marsillach durante ese período, aportando además una interesante documentación sobre su proceso de puesta en escena.

Número 42

«EL BALLET ROMÁNTICO EN EL TEATRO DEL CIRCO DE MADRID (1842-1850)», de Laura Hormigón

Madrid, 2017. 576 págs.
ISBN:978-84-17189-01-3

Precio: 23€ Comprar

El Ballet Romántico en el Teatro del Circo de Madrid (1842-1850) demuestra que, durante la década de 1840, el ballet ocupó un lugar destacado en la vida escénica madrileña. Este periodo glorioso del ballet en nuestro país se ha visto sometido durante años a un incomprensible e injusto olvido, convirtiéndolo en desconocido e inexistente. Este libro presenta un mundo sorprendente y se centra en la presencia, relevancia, desarrollo y recepción del ballet romántico escenificado en el Teatro del Circo de Madrid durante la década de 1840. Durante estos años, no solo pasaron por el Circo algunos de los grandes bailarines del momento –Marius Petipa, Guy Stephan o Sofia Fuoco–, sino que se ofrecieron grandes títulos del repertorio, desde Giselle hasta El Corsario. Se crearon además producciones propias y la actividad coreográfica y lírica que se desarrolló estuvo estrechamente relacionada con lo que se programaba en los escenarios europeos.

Laura Hormigón, bailarina de reconocido prestigio internacional, se ha sumergido una vez más en el campo de la investigación histórica y ha realizado una exhaustiva indagación, en una documentación compleja y difícil, sacando a la luz de forma rigurosa lo que fue el ballet durante ese periodo y su importancia. El resultado ubica, merecidamente, al ballet al mismo nivel que otras manifestaciones escénicas como la ópera, la zarzuela o el teatro de esa época.

Rescatar la presencia y memoria del ballet romántico escenificado en el Teatro del Circo era necesario y completa un panorama mucho más rico de lo que se creía, ocupando un lugar central en la escena española de mediados del siglo XIX.

Número 41

«TEORÍA ESCÉNICA» de Adrià Gual

Edición de Carles Batlle y Enric Gallén. Coedición: Publicaciones de la ADE / Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona. Madrid, 2016, 406 págs.
ISBN: ADE: 978-84-92639-88-5 / Institut del Teatre: 978-84-9803-757-9

Precio: 23€ Comprar

Adrià Gual (1872-1943), autor dramático, director de escena, pintor, escenógrafo y pedagogo, fue una figura capital del Modernismo en Cataluña. Convencido de que una actividad teatral renovada podía contribuir a la educación estética y la regeneración de un país, fundó el Teatre Íntim en 1898, primera compañía teatral moderna en España. También fundó, en 1913, la Escola Catalana d'Art Dramàtic (actual Institut del Teatre de Barcelona). En los años veinte, su trayectoria teatral, especialmente como director del Teatre Íntim incidió en la renovación teatral de Madrid de la mano de creadores como Cipriano de Rivas Cheriff. Conoció y estudió la producción, entre otros, de Craig, Diáguilev, Pirandello o Capek, y se relacionó personalmente con individuos de la talla de Lugné-Poe, Copeau, Gémier, Jouvet, Pitoëff o Baty. 

Entre sus obras, destaca como la más conocida Misteri de dolor, 1901 (una posible influencia sobre La malquerida, de Benavente). La mayoría de sus textos dramáticos fueron publicados en la época. En cambio, los ensayos, los prefacios inéditos, las conferencias, los artículos y las notas dispersas fueron parcialmente publicados en el momento y, a pesar de su enorme interés, se localizan hoy sólo en hemerotecas y fondos documentales. Este volumen pretende rellenar tal vacío: da a conocer una teoría teatral de primer orden que es precursora de algunas de las teorías más destacadas de la renovación teatral catalana y española del primer tercio del siglo XX.

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Número 40

«LA DANZA ESPAÑOLA Y LA NARRATIVA ESCENICA», de Inés Hellín Rubio

Madrid, 2016, 333 págs.
ISBN:978-84-92639-85-4

Precio: 23€ Comprar

"La Danza Española y la narrativa escénica" se adentra en la relación entre el texto y la escena de esta disciplina, proponiendo un método de investigación global. El discurso escénico que se encarga de contar el relato se construye con una coreografía, acompañada de los demás elementos expresivos (escenografía, música, iluminación, vestuario, entre otros). Esta labor constituye una colaboración estrecha entre los distintos creadores, así como un escaparate del estado de la técnica de la danza contemporánea al coreógrafo.

Inés Hellín explora en este libro las conexiones entre la evolución de las distintas ramas de la Danza Española (Folklore, Escuela Bolera, Flamenco, y especialmente Danza Estilizada), con la creación de ballets narrativos, y recorre algunos de los más relevantes del siglo XX, que han marcado la historia escénica de la Danza Española.

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Número 39

«POR UN TEATRO CÍVICO», de Percy MacKaye

Edición de Manuel F. Vieites. Madrid, 2015, 476 págs.
ISBN:978-84-92639-70-0

Precio: 23€ Comprar

Una casa de vida a tiempo completo”, así define Percy MacKaye el edificio teatral que imagina para el desarrollo de su propuesta de teatro cívico. Una casa con diferentes escenarios en los que desarrollar un repertorio nacional, alimentado de obras de autores consagrados y noveles, pero también para impulsar otras experiencias, desde el teatro infantil al teatro social. Una casa de vida desde la que profundizar en la mejora de conceptos tan importantes como progreso, ocio, democracia o ciudadanía.

En momentos de precariedad y zozobra, en los que el sistema teatral en España se desmorona dejando un campo que más parece la “tierra baldía” de T. S. Eliot, los textos de MacKaye cobran especial interés, especialmente en un país como el nuestro que en política teatral sigue siendo una anomalía en Europa. Las formulaciones de MacKaye, que se han tornado realidad fructífera en tantos países de nuestro entorno, nos muestran todo lo que nos queda por hacer en el viejo contencioso del “arreglo de los teatros”.

Percy MacKaye (1875-1956). Poeta y dramaturgo americano, se educó académicamente en Harvard y teatralmente al lado de su padre, el director de escena Steele MacKaye. Su obra dramática se sitúa entre las primeras tentativas que en el siglo XX se formulan en los Estados Unidos de América para lograr en el campo dramático la independencia conquistada medio siglo atrás en la lírica o la narrativa. Como ensayista formula propuestas en el desarrollo de una política teatral con la que situar el teatro en el centro mismo de la vida de la comunidad, y convertirlo en instrumento al servicio de la democratización cultural y la democracia cultural, anticipando así muchas de las propuestas que se desarrollan en Europa y América años después. Estamos ante la obra de un pionero cuyos escritos, todavía hoy, sirven para iluminar el presente y proyectar el futuro.

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Número 38

«CAYETANO LUCA DE TENA: ITINERARIOS DE UN DIRECTOR DE ESCENA (1941-1991)», de Blanca Baltés

Madrid, 2014, 486 págs.
ISBN:978-84-92639-53-3

Precio: 23€ Comprar

Cayetano Luca de Tena desarrolló una prolija carrera como director de escena, de gran ambición modernizadora para su contexto: la España franquista. Este libro se adentra en su trayectoria teatral, su perfil biográfico, el análisis de su concepto del oficio y su metodología en la dirección escénica.

La crónica de sus tránsitos por el teatro oficial y el privado, a través de todos los géneros –comedia, drama, café teatro, ópera, obras clásicas, textos contemporáneos…-, articula el estudio elaborado por Blanca Baltés, que pone además por primera vez a disposición del público la teatrografía completa del director.

El volumen se completa con una amplia selección de sus declaraciones y escritos sobre teatro y televisión, que componen un conjunto documental de enorme interés para la historia del arte escénico en España.

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Número 37

«TEATRO, POLÍTICA, SOCIEDAD» de Erwin Piscator

Edición de César de Vicente Hernando. Madrid, 2013, 354 págs.
ISBN:978-84-92639-46-5

Precio: 23€ Comprar

Erwin Piscator (1893-1966) fue uno de los más importantes e influyentes directores de escena. Nació en la ciudad alemana de Ulm y participó activamente en diversos movimientos artísticos y políticos durante los años diez, como el expresionismo, el dadaísmo o el nuevo objetivismo. En la década de los años veinte desarrolló los fundamentos del teatro político, primero en teatros proletarios e instituciones como la Volksbühne de Berlín, y, después, con la fundación de un teatro propio en el Berlín de la República de Weimar, el Piscatorbühne. Con el golpe de estado nazi de 1933, Piscator se exilió en distintos países hasta que en 1938 llegó a EE.UU. Allí trabajó en la Dramatic Workshop de la New School for Social Research hasta su regreso a la Alemania Federal en 1951. Tras su vuelta, y después de dirigir distintos montajes de gran relevancia, como Guerra y paz de Tolstoi, se hizo cargo de la Freien Volksbühne de Berlín donde representó obras fundamentales del teatro documento como El vicario de Hochhuth, El caso Oppenheimer de Kipphardt o La indagación de Weiss.

Teatro, Política, Sociedad recoge una amplia antología de textos de Erwin Piscator escritos a lo largo de su vida. Desde los esbozos para un teatro del proletariado, en los inicios de los años veinte, hasta los desarrollos dramatúrgicos del teatro documento, en los años sesenta. Estos artículos, conferencias, informes y entrevistas exponen una completa teoría y práctica del teatro político. Su conjunto recorre todos los ámbitos de la producción dramática: desde el uso de la iluminación como forma de renovación escénica, hasta la elaboración de una escritura compleja capaz de representar la problemática histórica y social del ser humano; desde las ideas para una nueva interpretación actoral objetiva, hasta el lugar de la literatura dramática en el marco de la dirección de escena. Su variedad de registros supone, además, el conocimiento de un Piscator polémico, agudo, irónico, sagaz y optimista, que orienta su trabajo teatral hacia el análisis de nuestra sociedad a través de una representación dinámica e integrada de los conflictos estructurales y humanos que se dan en ella.

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Número 36

«HISTORIA DEL TEATRO INGLÉS: DESDE SUS ORÍGENES HASTA SHAKESPEARE», de Antonio López Santos

Madrid, 2013, 344 págs.
ISBN:978-84-92639-41-0

Precio: 23€ Comprar

Historia del teatro inglés: desde sus orígenes hasta Shakespeare rastrea el desarrollo del género dramático desde sus vestigios preliterarios hasta el momento de máxima eclosión a finales del siglo XVI, con la irrupción de Shakespeare y la construcción de los primeros teatros.

La relación del teatro con el rito, los orígenes paganos que aún perviven en suelo inglés, las muestras escénicas que enraízan con los ritos cristianos y las formas teatrales típicamente británicas, los interludios, que, mezcladas con las teorías clásicas en el Renacimiento, dieron como resultado la comedia y la tragedia de la época Tudor, son algunos de los aspectos que recorren sus páginas.

El estudio de los espacios escénicos y los actores supone igualmente una aportación novedosa, imprescindible para completar la configuración del espectáculo teatral en una época en la que apenas nadie sabía leer y escribir. La evolución de los escenarios y la implicación de los actores, tanto aficionados como profesionales, así como la supuesta y discutible ausencia de las mujeres, son otros de los atractivos contenidos de este volumen, un libro útil para estudiar y comprender la evolución del teatro no sólo en Inglaterra sino en toda Europa.

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Número 35

«RE-VISIÓN DEL ESPERPENTO» de Rodolfo Cardona y Anthony N. Zahareas

Nueva edición corregida y aumentada. Madrid, 2012, 238 págs.
ISBN:978-84-92639-28-1

Precio: 19€ Comprar

Tal vez sea el esperpento, el famoso género literario creado por Ramón del Valle-Inclán, la primera tentativa que apareció en España de convertir las dispersas tendencias de lo grotesco en una categoría literaria. Es decir, una teoría de lo absurdo, una técnica acertada de la deformación caricaturesca, una visión enajenada de la condición humana, y una integración de ficción e historia.

La estilización de lo grotesco llevada a cabo por Valle-Inclán en Luces de Bohemia y la trilogía de Martes de Carnaval (Los cuernos de Don Friolera, Las galas del difunto y La hija del capitán), constituyen el reflejo de la crisis existencial, historicista y estética del primer tercio del siglo XX en España.

El presente volumen comprende un análisis en profundidad de los textos esperpénticos de Valle-Inclán, su sentido socio-histórico y su estructura teatral, en el que los  profesores Rodolfo Cardona y Anthony Zahareas desvelan la coherencia dramática inmersa en las obras del gran escritor gallego. Re-Visión del esperpento es una puesta al día y un paso más allá en el estudio que ambos publicaron originalmente en los años 70,  sobre el que ahora han elaborado esta nueva edición muy ampliada.

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