Serie Debate

Número 29

«MARIUS PETIPA. DEL BALLET ROMÁNTICO AL CLÁSICO»

Edición de Laura Hormigón. Madrid, 2020. 308 págs.
ISBN:978-84-17189-33-4

Precio: 15€ Comprar


  Con la colaboración de Fundación AISGE

 

En 2018 se celebró el bicentenario del nacimiento del gran coreógrafo Marius Petipa (1818-1910), creador de ballets tan emblemáticos como Don Quijote (1869), La Bayadère (1877), La bella durmiente (1890) o El lago de los cisnes (1895), y que además trabajó como bailarín en España entre 1844 y 1847.

El presente volumen recoge un buen número de las ponencias presentadas en el Congreso Internacional Marius Petipa. Del ballet romántico al clásico,que se desarrolló en Madrid en octubre de ese añodirigido por Laura Hormigón y Víctor Sánchez. Los trabajos aquí reunidos abordan temáticas amplias, ricas y diversas desde el punto de vista histórico, musicológico, escenográfico, de la notación coreográfica, y también en torno a la recepción, transmisión, conservación y pervivencia, o no, del legado de Petipa durante el siglo XX y en la actualidad.

La edición realizada por Laura Hormigón, Doctora en Musicología por la UCM, ex Primera Bailarina de prestigio internacional y especialista en la figura y la obra de Marius Petipa, compendia los trabajos de Sergey Konaev, Laura Hormigón, Bénédicte Jarrasse, Boris Illarionov, Doug Fullington, Tatiana Nikitina, Irina Skulskaya, Tiziana Leucci, Idoia Murga Castro, Toni Candeloro, Ana Abad Carlés, Geraldine Morris, Deborah Norris, Patricia Bonnin-Arias, Rocío Plaza Orellana, Blanca Gómez Cifuentes y Víctor Sánchez. El conjunto de sus aportaciones configura un sobresaliente mosaico de perspectivas sobre la creación balletística de Petipa, su época y la continuidad de su obra.

Número 28

«ACCIONES CONCOMITANTES. UN MÉTODO PARA LA ACTUACIÓN TEATRAL» de Jarosław Bielski

Madrid, 2020. 176 págs.
ISBN:978-84-17189-32-7

Precio: 15€ Comprar

"El teatro es un engaño, un engaño pactado. El actor es el causante y el espectador es el cómplice necesario. El espectador, sin embargo, no quiere sentirse engañado, quiere percibir la verdad. El actor, sumergido en el mundo de la ficción busca esa verdad, enfrentándose a su imaginación, a su cuerpo, al espacio escénico. Busca su propia verdad dentro de las circunstancias imaginarias del otro, del personaje. Las palabras son prestadas por el autor, pueden engañar al espectador. Pero el cuerpo del actor no puede mentir, se rebela, desvelando el engaño.

Es entonces cuando una técnica de actuación se vuelve necesaria.

Cualquier técnica aprendida solo resulta útil si nos conduce a encontrar nuestra propia técnica de actuación." (Jarosław Bielski)

Jarosław Bielski (1957), director de escena, actor, profesor de teatro, autor y traductor, es socio de la Asociación de Directores de Escena de España y miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España. Fundador y director, junto a Socorro Anadón, de la Academia del Actor - Réplika Teatro. Licenciado en la Universidad de Arte Dramático de Cracovia (Polonia), amplió sus estudios en el Laboratorio de Jerzy Grotowski. Ha sido profesor de la RESAD de Madrid, en las asignaturas de Interpretación, (1991-1992) y de Prácticas de Dirección Escénica (1997-2007). Ha dirigido más de 40 espectáculos en Polonia, Bélgica, Portugal, Finlandia y España y posee igualmente una larga trayectoria como actor en teatro, televisión y cine. Condecorado con la Medalla al Mérito de la Cultura Polaca, otorgada por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional de la República de Polonia y con el Premio “Witkacy”, a la difusión de la cultura teatral polaca en el mundo, otorgado por la Sección de Críticos Teatrales del International Theatre Institute de Polonia.

Número 27

«MÚSICA EN ESCENA» de Tomás Marco

Madrid, 2020. 306 págs.
ISBN:978-84-17189-28-0

Precio: 15 € Comprar

Música en escena transita, a través de la visión ajustada y personal de Tomás Marco, por las relaciones de la música y el teatro en diferentes ámbitos. El volumen, dividido en tres secciones, recoge en primer lugar un conjunto de artículos –con enfoques y tiempos diversos, pero centrados siempre en esta temática– que su autor ha publicado desde 1987. La segunda parte constituye un recorrido por sus trabajos musicales para la escena, que engloban el teatro instrumental, la ópera, la zarzuela, el ballet y las representaciones teatrales. Por último, bajo el título de “epílogo abierto”, Marco reflexiona sobre la situación actual de ambas disciplinas artísticas, a modo de prospección sobre lo que tal vez pueda ser el desarrollo de sus vínculos en un cercano presente y porvenir.

Tomás Marco, compositor y ensayista, es doctor honoris causa por la Universidad Complutense y académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Música (en dos ocasiones), el Premio Iberoamericano Tomás Luis de Victoria, el de la VI Bienal de París, el de Música de la Comunidad de Madrid y ha obtenido igualmente el reconocimiento de la Fundación Gaudeamus y la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO.

Es autor de siete óperas, un ballet, una zarzuela, varias obras de teatro instrumental y música de escena para obras teatrales y videográficas, así como diez sinfonías, música coral, de cámara, cantatas y música para solistas.

Además ha desempeñado diversos cargos artísticos y administrativos en Radio Nacional y la Orquesta y Coro Nacionales de España; fue fundador y director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea y del Festival Internacional de Alicante, así como Director General del INAEM.

Número 26

«EL TEATRO VACÍO. MANUAL DE POLÍTICA TEATRAL» de Manuel F. Vieites

Madrid, 2017. 766 págs.
ISBN:978-84-17819-03-7

Precio: 20€ Comprar

Tras cuarenta años de democracia y más de treinta en la Unión Europea, la situación del sistema teatral en España, pese a muchos avances, es muy deficitaria. La precariedad, la inestabilidad, la intermitencia, la provisionalidad, o la invisibilidad, son adjetivos que definen las dinámicas del campo y limitan de forma muy notable el acceso de la ciudadanía al teatro, pero también dificultan el pleno desarrollo de campos profesionales que en toda Europa gozan de legitimidad y prestigio.

Este volumen, nacido del estudio de otras dinámicas en otros países, propone una forma diferente de entender la política teatral, para ponerla al servicio del desarrollo del sistema y garantizar así el acceso pleno de la ciudadanía al teatro, en tanto manifestación cultural, para lograr también en este campo la convergencia con Europa, y para convertir el teatro, y la cultura, en un servicio público.

Para ser, también en lo teatral, como demandaban ilustrados notables como Olavide, Urquijo, Jovellanos, Moratín o Quintana, al menos por un tiempo, plenamente europeos.

Número 25

«STANISLAVSKI, MEYERHOLD Y CHALIAPIN: LA INTERPRETACIÓN OPERÍSTICA» de Susana Egea

Prólogo de Juan Antonio Hormigón. Madrid, 2017. 296 págs.
ISBN:978-84-92639-96-0

Precio: 15€ Comprar

Los elementos que diferencian los procesos técnicos en la representación de personajes en el teatro de texto o en el teatro musical están registrados de forma constante desde el siglo XVI, en que se emplaza el origen del género operístico, hasta nuestros días.

Este libro indaga en las aportaciones que en este campo realizaron Fedor Chaliapin, Konstantin Stanislavski y Vsevolod Meyerhold en la escena operística.

La profesora Susana Egea inicia su estudio con el análisis de los precedentes y de los trabajos realizados por actores, cantantes, coragos, dramaturgos, compositores a lo largo de los siglos XVI, XVII, XVIII sobre los procedimientos de construcción de vida escénica en música y la técnica actoral en arte dramático.

La segunda parte del volumen recoge el trabajo que Stanislavski desarrolló con los cantantes de ópera, después de que en 1918 se iniciara el convenio entre el Teatro de Arte de Moscú y el Teatro Bolshoi; y aborda la relación de Meyerhold con la ópera quien, durante casi diez años, tendría bajo su cargo la dirección artística del Teatro Marinski. Presenta, así, nuevos enfoques sobre los dos creadores, y un mayor análisis de su vinculación con el método de Chaliapin, referente para ambos.

Un estudio necesario para reformular aspectos sobre la historia de la técnica actoral, e imprescindible para el conocimiento sobre los procesos de entrenamiento actoral para la escena y en la ópera, en particular.

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Número 24

«LA PARADOJA DEL COMEDIANTE» de Denis Diderot

Traducción y edición crítica de Lydia Vázquez. Madrid, 2016. 160 págs.
ISBN:978-84-92639-89-2

Precio: 15€ Comprar

En la Paradoja del comediante -escrita en 1773, aunque no publicada hasta 1830-, Diderot recurre a un diálogo imaginario con un interlocutor, al que procura demostrarle que las creencias de su tiempo sobre la actividad actoral eran falsas. Considera el arte del actor, no como inspiración de las musas, sino como ejercicio de una profesionalidad que se adquiere por medio del estudio, la reflexión y la praxis. Desarrolla así una teoría científica de la interpretación, destilada a través de agudos razonamientos, definiciones, recuerdos de intérpretes y la crítica de sus estilos, del engolamiento y los excesos sentimentales en el escenario, para reivindicar la necesidad de un distanciamiento del texto que pueda brindarlo sin fisuras.

La traducción y edición crítica que presentamos en este volumen, realizada por Lydia Vázquez, profesora en la Universidad del País Vasco, se sustenta en un exquisito rigor filológico sobre los usos y acepciones lingüísticas del momento y en la minuciosa referencia de los personajes, conceptos estéticos, formas coloquiales, obras de diversa índole, estrenos, etc. , que pueblan el texto, esclarecidos con precisión y esmerado rigor bibliográfico. Además, algunas de sus precisiones corrigen errores de ediciones precedentes o descubren aspectos no reseñados hasta la fecha.

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Número 23

«EL TEATRO DEL PUEBLO» de Romain Rolland. «EL TEATRO COMPROMETIDO» de Jean-Richard Bloch

Edición de Rosa de Diego. Madrid, 2016. 288 págs.
ISBN:978-84-92639-90-8

Precio: 15€ Comprar

En los albores siglo XX, Romain Rolland y Jean-Richard Bloch publicaron una serie de artículos sobre sus concepciones, coincidentes y diversas, de un teatro del y para el pueblo que respondiera a las necesidades de un público estrictamente popular. Sus propuestas, polémicas en su momento, resultaron fundamentales para iniciativas posteriores, como la fundación del festival de Aviñón por parte de Jean Vilar, que recuperó la dimensión original del teatro como gran espectáculo popular y reclamó salas que unieran al público en lugar de dividirlo: fue la voluntad de democratización del teatro que, durante muchos siglos, había sido monopolio de unos pocos.

Este volumen recoge los ensayos y puntos de vista de ambos autores franceses sobre la cuestión. Si la visión de Rolland, innovadora y revolucionaria de la escena, mantiene hoy su plena actualidad, no lo son menos los planteamientos de Bloch sobre la necesidad de escribir desde su época y para sus contemporáneos, y su idea de cómo ha de ser el teatro del futuro, un teatro que debe dirigirse a todos los públicos, a la sociedad entera.

 

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Número 22

«LA ESCENA DEL SIGLO XXI» de José Gabriel López Antuñano

Madrid, 2016. 464 págs.
ISBN:978-84-92639-91-5

Precio: 18€ Comprar

24 directores de prestigio internacional son los protagonistas de este estudio sobre los escenarios actuales, que aúna la descripción y la reflexión personal. Son algunos “de los que, en mi opinión, con su competencia, capacidad, investigación y trabajo han realizado aportaciones al teatro en estos últimos años”, señala el profesor López Antuñano. En él recorre los estilos y los presupuestos estéticos e ideológicos de creadores tan relevantes y diversos como Krystian Lupa, Declan Donnellan, Robert Wilson, Thomas Ostermeier, Robert Lepage o Romeo Castellucci, entre otros.

El análisis espectacular sobre la labor de cada uno de estos veinticuatro nombres es el punto desde el que se valora el proceso dramaturgístico con el texto y la narratividad escénica, el diseño del espacio, el sentido de la puesta en escena, el trabajo con los actores y el estudio de los signos.

Un libro incitador y singular sobre el teatro contemporáneo que no pretende ser un canon de directores, “sino las reflexiones de un espectador que trata de ver hacia dónde y con quiénes (no todos) puede ir la escena del siglo XXI”.

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Número 21

«HACIA UNA HISTORIOGRAFÍA DEL ESPECTÁCULO ESCÉNICO», de Juan P. Arregui

Madrid, 2015. 254 págs.
ISBN:978-84-92639-73-1

Precio: 15€ Comprar

Las Artes del Espectáculo, Escénicas y Performativas se hallan presentes en las bases de la mayoría de las manifestaciones culturales a lo largo de la Historia. El concepto de representación se ha convertido en una herramienta relevante para gran variedad de estudios, que abarcan casi todos los aspectos de la actividad humana. No obstante, su consideración disciplinar ‑no exenta de debate y proclive a visiones encontradas‑, ha adolecido hasta ahora de un reconocimiento irregular y heterogéneo en nuestro país, quizá por su relación y contigüidad con otros campos como la literatura, la musicología, la historia del arte, la arquitectura, las artes aplicadas, la estética…

Juan P. Arregui explora en este libro las líneas generales de la historiografía del espectáculo escénico y contextualiza una síntesis argumentada de la conquista de su propio espacio académico. Ofrece así el bosquejo de un extenso territorio de estudio que descubre una gran amplitud de posibilidades, pero también de compromisos.

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Número 20

«HACIA EL ESPERPENTO: TRAYECTORIA DEL TEATRO DE VALLE-INCLÁN» de Rodolfo Cardona

Introducción de Juan Antonio Hormigón. Madrid, 2015. 248 págs.
ISBN:978-84-92639-68-7

Precio: 15€ Comprar

El presente volumen, en palabras de su autor, no ha sido concebido como un estudio académico sino más bien como un posible instrumento dedicado sobre todo a la “gente de teatro”. A través de sus páginas, Rodolfo Cardona analiza el conjunto de las obras teatrales de Valle-Inclán, casi escena por escena, para ofrecer una idea lo más exacta posible de lo que el gran escritor tenía en mente cuando las escribió y cómo lo expresó. Desde las Comedias bárbaras a las Farsas y los Esperpentos, Cardona recorre la producción escénica de don Ramón para desentrañar el meollo de cada obra. En su ánimo alienta el propósito de contribuir a la coherencia de las puestas en escena y del trabajo de los creadores escénicos, sin restar por ello originalidad a sus propuestas.

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